Claude Monet 12 legjobb festménye

A legjobbak áttekintése a szerkesztõbizottság szerint. A kiválasztási kritériumokról. Ez az anyag szubjektív, nem minősül reklámnak, és nem szolgál vásárlási útmutatóként. Vásárlás előtt konzultálnia kell szakemberrel.

A vadon élő állatok műértője, a festészet új, hihetetlenül népszerű irányzatának – az impresszionizmus – híres alkotója Claude Monet-t ma a kritikusok korának szimbólumának tartják. Ki gondolta volna, hogy egy kis karikaturista a jövőben erős hatással lesz a világ minden táján élő művészekre, és kiváló vásznak egész galaxisát hozza létre, egyedi, hihetetlenül élénk színvilággal, emiatt ismeretlen szerző idején híresztelések támadtak őrületéről. Íme a nagy mester legjobb festményei – a francia impresszionista ecset leghíresebb alkotásai.

A nagy impresszionista nyomában: Claude Monet francia zseni top 12 remekműve

Jelölés	egy hely	Fogalmazás	értékelés
Claude Monet legjobb festményeinek áttekintése	1	„San Giorgio Maggiore alkonyatkor”, 1908–1912	5.0
	2	„Zöld ruhás hölgy” (Camilla), 1866	4.9
	3	'Séta. Hölgy esernyővel ', 1875	4.9
	4	„Szénaboglyák” sorozat, 1890-1891	4.8
	5	A Roueni székesegyház sorozat, 1892-1893	4.7
	6	„Tavirózsa” sorozat, 1896-1926	4.7
	7	„Gare Saint-Lazare” sorozat, 1872-1877	4.6
	8	„Hölgyek a kertben”, 1866	4.5
	9	'Benyomás. Felkelő nap ”, 1872	4.5
	10	„Reggeli a füvön”, 1866	4.5
	11	„Parlament épülete naplementekor”, 1900–1901	4.5
	12	'Waterloo-híd felhős időben', 1904	4.4

„San Giorgio Maggiore alkonyatkor”, 1908–1912

Értékelés: 5.0

Az egyik leghíresebb és legjelentősebb festmény a nagy impresszionista munkásságában. A cselekmény uralkodó árnyalatai a narancssárgák – a művész ilyen árnyalatokkal társította az olasz város hanyatlását. A színes háttér előtt a velencei székesegyház és a víz, természetesen, a víz fényesen kiemelkedik.

Maga a mester megjegyezte, hogy az alkonyi város képe számára nem szabványos módon készült: a vászon ötlete annyira lenyűgözően gyönyörű és elbűvölő volt, hogy a művész eszeveszetten dolgozott, szó szerint a naplemente és annak vízreflexiói ​​felé haladó sarkára lépett. Munkájában Monet drámai színkontrasztokat alkalmazott, amelyek nagyobb mélységet és fényt adtak a festménynek.

Mivel az ötlet szinte azonnal inspirálódott, Monet a rövid vonások technikáját alkalmazta, és gyorsan megtöltötte a vásznat pasztával. Így sikerült azonnal megörökítenie a színes pillanatot és pontosan átadni a fényjátékot. A szerző művei fő feladatának azt látta, hogy ne erkölcsi üzenetet vagy mély szemantikai terhelést közvetítsen a néző számára, hanem szenzoros benyomást keltsen, kellemes szenzációkat, benyomást ébresszen fel, nem hiába Monet az impresszionizmus egyik legfényesebb képviselője.

„Zöld ruhás hölgy” (Camilla), 1866

Értékelés: 4.9

A portré a nagy impresszionista, Camille Donsier feleségét ábrázolja abban az időben, amikor még nem volt feleség vagy akár menyasszony. Claude és Camilla éppen találkoztak, és az egyik ilyen találkozó után Monet úgy döntött, hogy a vásznon átadja azt az élénk érzést, amely a fiatalok között felmerült. A „Hölgy zöld ruhában” című képen a művésznek sikerült megörökítenie a remegő pillanatot, amikor a gyakorlatilag a kijáratnál lévő lány megfordult.

Monet nem pazarolta energiáját a háttér megrajzolására: minden képességét magára Camille-ra összpontosította – gondosan részletezte az arcát, a nyaka görbületét, az arckifejezését, még a keze enyhe mozdulatát is, szeretettel festette ruháját és báránybőr kabátját. A képen nem lehet észrevenni légiességet vagy valami földöntúli dolgot: a művész megpróbálta valódi, élve megmutatni a lánynak. Monetnak nem volt szüksége referenciaideálra: a ruha nehéznek tűnik, úgy tűnik, hogy nehezen húzódik a padlón – ez arra utal, hogy nehéz szövetből készült.

Monet azt írta, amit teljes szívéből látott és szeretett (rövid ismeretség ellenére a művésznek sikerült szenvedélyesen és szenvedélyesen beleszeretnie a lányba), díszítés és nehézségek nélkül, amelyek csak Camillát sértenék. A kép hihetetlenül élénk és mélyre sikeredett: érezhető benne egy fiatal szerető lelkesedése és félelme.

'Séta. Hölgy esernyővel ', 1875

Értékelés: 4.9

A festmény egy festményciklus kezdetének számít, amelynek első és fő képét 1875-ben festették. A művész első felesége, Camilla lett a portré mintája. A mű az 1870-es évek alkotó korszakában a legnagyobbnak számít. A vászon Camille-t ábrázolja fiával a Colombes és Zhenivier közelében lévő vad mezőkön.

Madame Monet féloldalú, mintha hirtelen megtalálta volna a nézőt. Ruhája lobog a szélben. Az ábra kissé elmozdult jobbra, amit egy megdöntött napernyő kompenzál, amelynek kupolájában fényes réti zöldek tükröződnek. Kissé távolabb, csak derékig látható Monet fia, mintha figyelmesen nézne a nézőre.

A képet a természetből festették a szabadban, valószínűleg egy munkamenetben. A vászon létrehozásának időszakában a művész munkái fokozatosan kezdtek túlsúlyba kerülni a karakterek gondos kidolgozásában, a tájak kiszorításában. Mindazonáltal a nagy impresszionista nem felejti el eljuttatni a nézőhöz a megfoghatatlan napfényt, ami a kép életszerűnek tűnik.

A női karakter vásznon való elhelyezkedése és az alacsony horizontvonal a vászon külön kiemelésének tekinthető, amely a festmény egészének monumentális megjelenést kölcsönöz – ez meglehetősen szokatlan bemutatás egy francia impresszionista számára.

„Szénaboglyák” sorozat, 1890-1891

Értékelés: 4.8

Monet úgy vélte, hogy a tájat meg kell festeni, teljes mértékben megőrizve a környezet színét, alakját és hangulatát, és “ez egy személyes, naiv elképzelés megjelenéséhez vezet a nézett helyzetről”. Monet nem volt az első a festők között, aki úgy döntött, hogy egy vidéki tájat vászonra helyez át, amelynek fő tárgya szénakazal lesz. Van Gogh, Pizarro, Gauguin és más nagy művészek már írtak erről a témáról.

De Monetnak sikerült kitűnnie azzal, hogy munkájában két innovatív elemet használt: a fénylátás módját és a festmények egész sorozatának létrehozását. A művész hihetetlen munkájának és tehetségének köszönhetően ma ugyanannak a motívumnak a változatosságát szemlélhetjük, a napszaktól és a változó világítástől függően.

A szénaboglyát ábrázoló vásznak egész sorozatának létrehozása, Monet saját szavai szerint igyekezett megmutatni az idő múlását. Arra panaszkodott, hogy nyáron, amikor festett, a nap olyan gyorsan lement, hogy a művész nem tudott lépést tartani vele, és minden egyes alkalommal a fény múló változékonyságát kereste.

Monet 1888-ban Giverny közelében több vázlatot készített szénakazalokról. Egy évvel később visszatér ugyanerre a témára, amikor megkezdődik a szenvedés (nyári betakarítás és gabonaszüret). Több hónapon át keményen dolgozik, a nyári napfénybe borított, ősszel élénkpiros, télen szorosan hóba burkolt mezőket festette.

1890 nyara, amikor a mester belemerült az „Olympia” ügyébe, alig várta, hogy Manet özvegyétől megvásárolja a festményt és odaadja a Louvre-nak, felhősnek bizonyult, gyakori esőzésekkel. Ezért a művésznek véglegesítenie kellett a már a műhelyben elkezdett vásznakat, fantáziálva arról, milyen színes és rendkívüli lehet az ég. A sorozat tizenöt festménye, amelyet először a Durand-Ruel-en állítottak ki, hatalmas sikert aratott, és a magas ár ellenére elkelt.

A Roueni székesegyház sorozat, 1892-1893

Értékelés: 4.7

A zseniális impresszionista egy másik festménysorozata, csak ezúttal a cselekmény közepén található a fenséges roueni gótikus székesegyház. A vásznak egész ciklusának létrehozása céljából Monet a székesegyház közelében telepedett le, és kora reggeltől késő estig festett. A művészet hihetetlenül elbűvölte a hideg kő fényjátéka, és ezt a csodálatos ellentétet igyekezett közvetíteni a vászonnal.

Monet figyelmét nem az egész épületre, hanem csak annak külön részére – 2 toronyra: Martinára és Albanra – összpontosították. Az impresszionista megértése szerint a székesegyház elemei portálnak tűntek, és az épület ezen oldalát minden festmény ábrázolta. Munkájában haladva a művész fokozatosan elkezdett egy nagyobb festékréteget felvinni a vászonra, megpróbálva hangsúlyozni bizonyos részleteket és megadni a festménynek a saját fényét.

Gyakran a munka gyorsan ment, de Monet maga is panaszkodott erre a tényre, mondván, hogy ez bonyolítja a feladatot, és nem könnyű neki átlátása a vászonra. Néha a festőt olyan rémálmok kínozták, amelyekben a katedrális ráesett, vagy áruló módon megváltoztatta a színét.

A nézők csak 1895-ben láthatták először a francia impresszionista remekeit, és bár a kritikusok véleménye megoszlott, sok művész (ideértve a külföldieket is) megváltoztatta a világról alkotott felfogását. Szinte azonnal a sorozat 8 festményét adták el különféle gyűjtőknek. A többit a meglehetősen magas ár (kb. 15 000 frank) ellenére az impresszionizmus több ismerője vásárolta meg.

„Tavirózsa” sorozat, 1896-1926

Értékelés: 4.7

A hatalmas ciklus csaknem 250 vásznat tartalmaz, amelyek mindegyike olajfestés technikájával készült. Néhány festmény nyugodtan nevezhető monumentálisnak, és nemcsak lenyűgöző méretük, hanem ötletes színészlelésük miatt is. Munkájának kényelme érdekében a művész új műhelyt épített, különleges világítással.

Figyelemre méltó, hogy a munka folyamán Monet annyira elragadtatta magát, és az eredmény lenyűgözte, hogy nem akart elválni a „Tavirózsa” sorozat egyetlen festményétől sem, amelyet csaknem 30 éves kemény munka hozott létre. A múzeumokban és a magángyűjteményekben ezek a vásznak csak az impresszionista halála után kezdtek megjelenni.

Monet nagyon büszke volt arra, hogy megszerezhette saját birtokát (Givernyben volt), ahol fényűző virágoskertet rendezett be. A sorozat festményei a művész saját kertjében növekvő tavirózsákat ábrázolják. Egyébként sok vásznat készítettek már abban az időben, amikor a festő szürkehályogban szenvedett. De talán ez segített abban, hogy elmozduljon a hagyományos színérzékeléstől, és hihetetlen színjátékot teremtsen a fényben és az árnyékban.

A „Vízililiom” sorozat vásznait a világ számos múzeumában őrzik: Párizsban, New Yorkban, Walesben, Oregonban stb. A Christie's aukciósház képviselői Monet „Tavirózsait” nevezik a 20. század egyik legelismertebb és legjelentősebb művének, amely hatalmas hatással volt a impresszionista és modernista művészek szerte a világon.

„Gare Saint-Lazare” sorozat, 1872-1877

Értékelés: 4.6

1872-ben Claude Monet megjelent a Saint-Lazare igazgatóságán, kijelentve, hogy festmények egész sorozatát fogja festeni, és fő céljuk az állomás lesz. A művész az állomásépületet annak idején az egyik leglenyűgözőbbnek tartotta, és a technológiai fejlődés korszakából szerette volna átadni érzelmeit, eltávolodva a táj témájától.

Mivel Monet a természetből írt, az állomás dolgozói mindent megtettek annak érdekében, hogy Saint-Lazare teljes dicsőségében megjelenjen az impresszionista előtt: az állomás területét folyamatosan tisztították, még a gőzmozdonyokat is festették, és a mozdonyvezetők igyekeztek a lehető legtöbb gőzt engedni. A csodálatos panoráma szó szerint megragadta a francia zsenit, és ennek eredményeként akár 12 festmény is készült, amelyekben az állomást nemcsak különböző szögekből, hanem más időjárásban, a nap különböző időpontjaiban is ábrázolták. Ez a sorozat lett az első a festő munkájában: hamarosan 'Haystacks' és 'Water Lilies' születnek.

Először 1877-ben mutatták be a világnak egy kiállításon, a „Gare Saint-Lazare” festménysorozat nagy sikert aratott. A híres francia író, Émile Zola később azt mondta, hogy Monet vásznain átadott légkör inspirálta őt a „Beast Man” című regény megírására, amelyet a francia vasútnak szenteltek.

„Hölgyek a kertben”, 1866

Értékelés: 4.5

A képet nagyon szokatlannak tartották egy kortárs néző számára. Monet egyértelművé kívánta tenni, hogy csak úgy fog írni, ahogy inspirációja és ösztöne javasolja neki, anélkül, hogy visszatekintene az akadémiai hagyományokra. Gustave Courbet francia tájfestőt, aki akkor gyakran járt Monetban, nemcsak a szerző ötlete, de a vászon léptéke is meghökkentette. Hatalmas mérete (255×205 cm) miatt hihetetlenül nehézkes volt: a művésznek a vásznat egy csörlő segítségével egy speciális lyukba kellett süllyesztenie, amikor a kép felső részét festeni kezdte.

Az impresszionista az árnyék és a fény játékát a lehető legpontosabban akarta közvetíteni, ehhez kidolgozva a cselekmény legkisebb részleteit. Ugyanakkor szereplői másodlagos szerepet kaptak. Például a vásznon ábrázolt nők stilizáltan néznek ki, arcuk alig látható: az egyik hölgy félig megfordultan áll, a másik háttal, a harmadik egy színes csokor mögé bújik. Így a művész egyértelművé teszi, hogy számára nem egy személy a fontosabb, hanem az ember kölcsönhatása a külvilággal.

A látszólagos hagyomány ellenére a kép valóban innovatív volt: számos félfordulat, vágott ruhaszél – mindezt egy akadémikus festő számára lehetetlen lett volna. A „Ladies in the Garden” című festmény Monet számára nehéz pénzügyi időszakban készült, ezért a munka keményen folyt. Ezt a festményt tervezte kiállítani a Párizsi Szalonban, az egyik legrangosabb francia művészeti kiállításon, de a zsűri nem hagyta ki a munkát. De amikor Monet híressé vált, a „Hölgyek a kertben” című festményt hatalmas összegért – 200 000 frankért – megszerezte a francia kormány.

'Benyomás. Felkelő nap ”, 1872

Értékelés: 4.5

Amikor az impresszionizmus megalapítója képet festett, azt hitte, hogy ez a következő műve, amelyet nem lehet eladni. De valójában vele kezdődött egy új irány megjelenése a festészetben. 1874-ben az alkotást a kollégák, a szellemben testvérek kreativitásában alkotásaival együtt egy független kiállításon mutatták be. A fiatal tehetségek erőfeszítéseit azonban nem mindenki értékelte.

Az újságíró, Louis Leroy, miután meglátogatta a kiállítást, kritikai cikket írt „Az impresszionisták kiállítása” című cikkben, amelyben nevetségessé tette a művészeket, valójában azt mondván, hogy az ilyen „alkotások” megbolondítják az akadémikus festőket, és az akkor még ismeretlen fiataloknak sértő becenevet adnak „impresszionisták”. ”. Természetesen akkor nem tudta elképzelni, hogy a művészek tiltakozásul végül elfogadják ezt a becenevet, amely háztartási névvé válik, és a világ egyik leghíresebb művészi mozgalmává válik.

A 'Lenyomás. A Rising Sun 'Monet különös figyelmet fordított (azonban, mint mindig) a színvisszaadásra, ehhez minimális árnyalatokat használt, de hihetetlenül élénk, valósághű tájat hozott létre. A fő tónusok kékesek: az egész vásznat mintha áthatja a hideg, durva reggel érzése.

A művésznek nagyon pontosan sikerült közvetítenie a kikötő hangulatát: a helyiek így látták – komor, napsütéssel a vízen, az ég az óceánba áramlik, ahol a hajók sziluettjei homályosan megkülönböztethetők.

„Reggeli a füvön”, 1866

Értékelés: 4.5

A tragikus sorsú, korában alábecsült festmény korának igazi szimbólumává vált. A vászon munkája 1865-ben kezdődött Edouard Manet azonos nevű, kissé komolytalan tartalmú botrányos festményének benyomása alatt. De az azonos név és talán az erdei táj mellett a festményeknek semmi köze sincs.

A vászon megalkotása mögött egy igazán titáni alkotás rejlik, mert a kép hatalmas méretű volt – 400×600 cm. És egy ilyen hatalmas alapon való munka jelentős készségeket igényel, a kompozíció érzésének és helyes formálásának képességét, a színeket, a karakterek terjesztését stb.

A művész egy előre kiválasztott helyen kezdte munkáját a fontainebleau-i erdőben. Modellként feleségemet, Camillát és barátomat, a Frederic Basil „boltban” elvtársat használtam. Először is Monet festette az erdőt a szabad levegőn, majd a műhelyben rajzolt karaktereket, majd ezek után ismét kiment modellekkel, hogy vázlatokat írjon a természetből. Ezt követően a műhelyben a művész összes elemet összeállított.

A vászon hűvös nyári vagy tavaszi napot ábrázol. A ragyogó kék ég villog a fák sűrű, buja lombjai között. Helyenként vékony napsugarak törnek át. A táj hátterében egy csoport férfi és nő pihen: valaki beszélget, valaki leül enni, mások a fűre nyújtózkodnak. Érezheti a mókát, az erdő frissességét, könnyedségét.

Kezdetben Monet azért készítette el a “Reggeli a füvön” című festményt, hogy bemutassa a párizsi szalonban, de katasztrofálisan nem volt ideje, ezért szinte sietve írta a “Zöld ruhás hölgyet”, amelyet a kritikusok kedvezően fogadtak. A nehéz anyagi helyzetben lévő festő a befejezetlen vásznat biztosítékul hagyta földesurának, és úgy döntött, hogy nem vállal olyan nagy dolgokat, amelyek minden pénzét felemésztették és nehézségeket okoztak számára.

De a bérbeadó gondatlanul őrizte a remekművet, és a vászon egy része egyszerűen elrohadt a nedves pincében való hosszú tartózkodástól. 7 év után Monet megvette a vásznat, és 3 részre vágta, csak 2 maradt (az egyik teljesen használhatatlan volt). Ma a kritikusok a festményt a művész debütálásának tekintik egy akkoriban új stílusban, a művészet közelgő forradalmának igazi zászlóshajójának.

„Parlament épülete naplementekor”, 1900–1901

Értékelés: 4.5

1900-ban Paul Durand-Ruel, az impresszionizmus állandó védnöke, lelkesen várta Claude Monet visszatérését a brit fővárosból. A londoni tartózkodása alatt létrejött Temze és a Parlament hídjainak nézeteit kellett volna bemutatnia. A művész hozta az alkotást, de elégedetlen volt a vázlatokkal, ezért egy évvel később visszatért, hogy véglegesítse a vásznakat, és még egy évvel később.

Durand-Ruel csak 1904-re kapta meg az elkészült londoni ciklusokat, de a várakozás megérte: egy hét múlva jó pénzért eladták a “The Parliament Building at Sunset” című festményt. Azóta a festmény számos magángyűjteményben járt Le Havre-ban, Párizsban, New York-ban és még Japánban is. 2015-ben a vászon 40 millió dollárért kelt el.

Festményciklus írása közben Monet panaszkodott a londoni időjárás következetlenségére: “Az időjárás folyamatosan változik a felhők és az erős szél miatt … megőrjít.” A természeti állapotok és az egyedülálló napsütéses pillanatok hatalmas sebességgel váltják fel egymást, de felbecsülhetetlen az a tény, hogy Monet képes volt ezeket vásznakon közvetíteni. A szokatlan, még merész hatás különleges varázst kölcsönöz ennek a bizonyos képnek – élénkvörös ragyogás, amely áttör a vastag felhőkön.

'Waterloo-híd felhős időben', 1904

Értékelés: 4.4

Monet egy másik remekműve a londoni ciklusból szintén nem maradt sokáig a kiállításokon. Például ezt a hihetetlen kilátást a Waterloo hídra egy szenvedélyes művészetkedvelő, Mihail Rjabushinszkij orosz gyűjtő szerezte meg. 37 éves volt, amikor a forradalom megtörtént az Orosz Birodalomban. A gyűjtemény egy részét elrejtette, egy részét átadta a Tretjakov-galéria számára tárolásra, majd Nagy-Britanniába emigrált. A festmény az antik világ igazi iparmágnáinak – a Wildensteinek – galériájába került. Ezt követően a vászon sok gazdát cserélt – mind kivételes személyiséget.

Claude Monet először feleségével jött a brit fővárosba, hogy meglátogassa fiát, és azonnal rájött, hogy újra visszatér ide. A nagy impresszionistát lenyűgözte a város színe, és magabiztosan vállalta a helyi tájakkal rendelkező festmények létrehozását. Csodálta London egyes helyeinek költészeteit, de az időjárás megőrjítette, sokszor nagyobb kihívást és hihetetlenül addiktívvá tette munkáját.

Londonból visszatérve Monet magával hozott 8 doboz vásznat (!), És egyik sem készült el. A művész még több évig dolgozott a festményeken, nem engedve, hogy egyetlen darabot is eladjanak. Csak akkor, amikor az összes vászon elkészült, megjelentek a meghökkent néző, az impresszionizmus és a kritika ismerőinek szemében.

---

Figyelem! Ez az értékelés szubjektív, és nem jelent hirdetést, és nem szolgál vásárlási útmutatóként. Vásárlás előtt konzultálnia kell szakemberrel.